Extraio do blog do Geneton Moraes Neto entrevista do repórter Joel Silveira. Perguntado a respeito de quem ele não levaria para uma ilha deserta, a Víbora deu o bote:

Eu não levaria João Gilberto de forma nenhuma, com aquele violãozinho, uma coisa horrorosa. Aliás, o melhor talvez fosse deixá-lo numa ilha deserta, sem violão! Assim, eu poderia ir embora. Não entendo o fenômeno João Gilberto:  é um dos mistérios que minha inteligência não consegue alcançar. Eu até me esforço para entender tanta idolatria, porque, como sou repórter, gosto de saber das coisas. Mas confesso que não consigo.

Bing Crosby e Louis Armstrong respondem:

Poeta, ensaísta e crítico de artes plásticas, Ferreira Gullar é também um personagem marcante em nossa música. Não à toa, seu nome é verbete na “Enciclopédia da Música Brasileira”. Entre seus parceiros musicais estão Caetano Veloso (“Onde andarás”), Paulinho da Viola (“Solução de vida”) e Milton Nascimento (“Bela bela”).

Pouca gente sabe, mas o bolero “Borbulhas de amor” (Quem me dera ser um peixe / para em teu límpido aquário mergulhar…), de autoria do dominicano José Luiz Guerra e um dos maiores êxitos da carreira do cearense Raimundo Fagner, tem a versão brasileira da letra assinada por Gullar.

Seu maior sucesso em nosso cancioneiro, no entanto, é a letra/poema que ele escreveu para a “Bachiana nº2″ (tocata), mais conhecida como “O trenzinho do caipira”, de Heitor Villa-Lobos. Os versos originalmente integram o “Poema sujo”, que Gullar lançou em 1976, quando estava no exílio, e transformou-se em seu livro mais famoso. Algum tempo depois, ao ser gravada por Edu Lobo, a letra projetou a música e foi responsável por popularizar aquela melodia de Villa-Lobos.

Em 2003, eu e o amigo Irineu Franco Perpetuo tivemos a honra de entrevistar Ferreira Gullar e, por mais de uma hora, conversar com o poeta sobre sua relação com a música. Na época, nós apresentávamos na Rádio América AM, de São Paulo, o programa “Trilha Brasileira”, que era veiculado nas tardes de sábado. A cada edição contávamos com um convidado diferente, dentro de um quadro intitulado “Sala de Recepção” (claro, nome roubado de um samba de Cartola…). Por problemas de agenda, não conseguimos levar Gullar para os estúdios da rádio, então nos deslocamos até o hotel onde o poeta estava hospedado e gravamos a entrevista lá mesmo. Depois editamos o papo, colocamos música e montamos o programa.

O resultado você pode conferir abaixo. Dividi o programa em 4 partes.

PARTE 1: Ferreira Gullar fala de sua infância, dele menino em São Luis (MA) ouvindo Vicente Celestino e Orlando Silva no rádio;

PARTE 2: O poeta comenta sua paixão pelo Salgueiro e critica os atuais desfiles das escolas de samba, fazendo uma comparação com a Academia Brasileira de Letras. Para ele, assim como a maior parte das pessoas que usam o fardão não merecem ser chamadas de escritores, a maioria dos passistas da Sapucaí não são sambistas.

PARTE 3: Gullar conta a hsitória da letra/poema para “O trenzinho do caipira” e diz que Mindinha Villa-Lobos, viúva do compositor, recusava-se a dividir com ele os direitos autorais pela execução da música.

PARTE 4: A divertida história da letra para o bolero “Borbulhas de amor”. E o programa termina com Gullar declamando “O trenzinho do caipira”. Emocionante.

Hermínio e Alaíde Costa

Áurea Martins

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Dick Farney nem imaginava tornar-se um cantor de sucesso. Aliás, ele nem queria. Ao se lançar como músico, seu único interesse era ser um grande pianista, como seus ídolos do jazz – Dave Brubeck, Nat King Cole. No entanto, após estrear profissionalmente no microfone, em 1937, se revelaria um dos mais importantes intérpretes da música popular brasileira. A trajetória artística dele foi contada no documentário musical “Mosaicos – A Arte de Dick Farney”, que produzimos na TV Cultura em 2007. O especial está disponível na íntegra no YouTube, em 8 partes. Abaixo, a primeira delas e os links para as demais.

Parte 2; Parte 3; Parte 4; Parte 5; Parte 6; Parte 7; Parte 8 (final)

Uma nota publicada na página inicial do site da gravadora e produtora Kuarup informa que, na virada de 2008/2009, após 31 anos de atividade, a empresa fechou as portas. “Ao longo dos últimos anos, as vendas de produtos físicos sofreram queda vertiginosa, nem de longe compensada pelas vendas por download. Entendemos que a crise do CD é irreversível e tornou inviável nosso modelo de negócio, inteiramente calcado na produção e comercialização de música de qualidade”, diz o texto.

A Kuarup possuía um importante catálogo de música brasileira, apostando na diversidade e investindo nos diferentes gêneros e ritmos regionais – choro, samba, caipira tradicional, música nordestina, instrumental. Alguns artistas tinham sua discografia intensamente ligada ao selo, como é o caso de Elomar.

O fim da Kuarup é emblemático porque, embora a gravadora tenha sido criada na onda dos independentes do final década de 1970, apostando em artistas que as companhias multinacionais desprezavam, optou pelo mesmo modelo de negócio das majors. Não podia ser de outra forma, afinal o modelo sempre foi um só: graver discos e lucrar com a venda desses produtos. A diferença estava nos catálogos. Mas a evolução tecnológica modificou a produção e o consumo de música, demolindo aquele modelo.

Independentes ou não, grandes ou pequenas, as gravadoras restantes também deverão ruir. O que virá depois? Essa e outras incógnitas são discutidas e analisadas no livro “O futuro da música depois da morte do CD”, organizado por Irineu Franco Perpetuo e Sérgio Amadeu da Silveira. O volume, que traz 16 artigos assinados por produtores, músicos e especialistas em cultura e tecnologia, está disponível gratuitamente aqui.

Kuarup é o nome de um ritual dos povos indígenas do Parque do Xingu em homenagem aos mortos. Apesar do mote, é uma festa que se destaca pela alegria, sentimento que os entusiastas do moribundo mercado fonográfico não desfrutam há tempos.

Angenor de Oliveira, o Cartola

Compositor cuja formação resumia-se ao primário completo, Cartola era um leitor atento, principalmente de poesia. A pesquisadora Marília Trindade Barboza, autora com Arthur de Oliveira Filho da biografia do sambista, conta que alguns de seus autores preferidos eram Castro Alves, Gonçalves Dias, Olavo Bilac e o português Guerra Junqueiro (1850-1923). Desse último, Cartola admirava o livro “A velhice do Padre Eterno”.

Não sei qual seria a influência de Fernando Pessoa (se é que ela existe) nas leituras do mangueirense, no entanto, é curioso perceber que o heterônimo Alberto Caeiro também cogitava existir uma língua das flores:

Pobres das flores nos canteiros dos jardins regulares.

Parecem ter medo da polícia…

Mas tão boas que florescem do mesmo modo

E têm o mesmo sorriso antigo

Que tiveram para o primeiro olhar do primeiro homem

Que as viu aparecidas e lhes tocou levemente

Para ver se elas falavam…

A principal efeméride da música brasileira em 2009 é o cinquentenário da morte de Heitor Villa-Lobos, o maior compositor que já tivemos. Ontem, na Folha, Irineu Franco Perpetuo publicou reportagem (link para assinantes) sobre o assunto, anunciando os concertos e lançamentos de CDs e DVDs que vêm por aí.

Aproveito o mote para inaugurar uma das categorias deste blog, dedicada a livros que estão fora de catálogo. A estréia é com “Reminiscências líricas de um perfeito carioca”, do pintor Di Cavalcanti. O volume de memórias do artista foi lançado originalmente em 1965 pela editora Civilização Brasileira como parte de uma coleção em homenagem ao 4º centenário do Rio. Em um dos trechos da obra, Di Cavalcanti traça um perfil do amigo Villa-Lobos. Na transcrição abaixo, mantive a ortografia original do texto: 

Separando em categorias meus amigos cariocas, procuro em primeiro lugar os que mais se identificam a esta terra, os músicos e, entre êles, dois sem desmerecer um só momento, os outros: Villa Lobos e Pixinguinha.

Villa Lobos veio à minha vida numa tarde de 1920. Passava pela rua da Quitanda quando me chamou Jaime Ovale:

– Olha aqui o Villa Lobos.

Olhei o monstro e até o dia em que êle morreu o admirei naquela cabeça bela e atormentada. Freqüentei sua casa da rua Dídimo, do velho bairro do Senado, ainda com tôdas as dádivas antigas, bem perto da rua do Lavradio e da rua dos Inválidos, da rua do Riachuelo e não longe da Lapa. Ali vivia Villa Lobos perto de José do Patrocínio Filho, perto do Sinhô, perto da Preta Rita, que saía no Carnaval na frente de um rancho com o nome dela: Rita e seu Cordão. Na rua Dídimo, o Villa, já era o Villa Lobos de tôda a sua obra, que êle escrevia numa desordem terrível, pelos cantos da mesa de jantar, com gente entrando e saindo: meninos travessos, credores, parentes pobres, môças assanhadíssimas, crianças insuportáveis.

Lembro-me da mãe de Villa Lobos, gritando para a preta empregada:

– Conceição! será preciso um pistolão do falecido Rodrigues Alves para servir o jantar?

Jantávamos com Villa, Ovalle, eu, Dante Milano. Uma noite, levamos lá Manuel Bandeira. Os vizinhos reclamavam as dissonâncias musicais, e o mestre, incansável, produzia como produziu até o fim da vida, acima de tôda mediocridade que o cercou.

Villa Lobos era um monstro, comendo tudo que dêle se aproximava. Construía mundos seus com as coisas que apareciam; também inventava… Seu mundo, era uma ilha de gravura medieval, com castelos e templos cercados dos mares com peixes disformes e sereias pulando, navios trazendo o fausto e as iguarias de outras terras.

Na sua imensa vaidade, que nada tinha de vaidade dos medíocres, sentia-se grande para se igualar a êste mundo carioca: coisa descomunal e desmedida. Não sabia ser pequeno, minucioso, nem mesmo gracioso: era um mão de ferro, um ditador, um chefe de fila. Possuía uma virilidade inconcebível, dominava as mulheres, mas nunca foi um conquistador, um D. Juan. Apegou-se ao amor dos que muito o amavam. Sua fortuna era seu ânimo de viver. E êsse leão muitas vêzes passou comigo horas serenas, na tranqüilidade do contato com as coisas simples. Segurava o violão e, com a sensualidade popular, dedilhava as cordas do instrumento como se fôsse sempre o antigo boêmio procurando uma serenata. Ele era o Rio e cresceu com o Rio: ficou sendo o arranha-céu, depois de ter sido o sobrado, e na sua gloriosa carreira, jamais perdeu sua música, esta complexa contextura da música carioca; sempre despontando nas suas orquestrações sinfônicas, nos seus concêrtos de cordas ou nos seus cantos orfeônicos.

Ao contrário de Villa Lobos, Pixinguinha é o sumo de outra fruta, é flor de manacá, não uma orquídea pomposa. Pássaro acordando as águas dos riachos, poeta de redondilhas e de trovas, dono do canto negro e da melodia mestiça. Pixinguinha representa uma permanência diversa da de Villa Lobos na música brasileira. Villa foi uma fatalidade anímica para a concepção erudita, para os faustos das musicalidades teatrais. O meu querido Pixinguinha, da Estação de Olaria, é um pássaro de mais modesto porte, mas não menos importante. Seu Carinhoso é obra clássica no samba popular.